Musik ist ein bedeutender Teil der Weltkultur, ohne sie wäre unsere Welt viel ärmer. Musikkultur ist ein Mittel zur Persönlichkeitsbildung, sie bildet die ästhetische Wahrnehmung der Welt in einem Menschen aus und hilft, die Welt durch Emotionen und Assoziationen mit Klängen zu erkennen. Es wird angenommen, dass Musik das Hören und das abstrakte Denken entwickelt. Das Verständnis der Klangharmonie ist für die Musik genauso gut wie das Rechnen. Wir erzählen Ihnen von der Entstehung und Entwicklung der Musikkultur und warum Menschen diese Kunst brauchen.
Das Konzept
Musik spielt eine besondere Rolle im menschlichen Leben, seit der Antike haben Klänge die Menschen fasziniert, sie in Trance versetzt, dazu beigetragen, Gefühle auszudrücken und Vorstellungskraft zu entwickeln. Weise Menschen nennen Musik einen Spiegel der Seele, sie ist eine Form der emotionalen Erkenntnis der Welt. Daher beginnt sich die Musikkultur zu Beginn der Entstehung der Menschheit zu formen. Sie begleitet unsere Zivilisation von Anfang an. Unter dem Begriff "Musikkultur" wird heute die Gesamtheit der musikalischen Werte, das System ihrer Funktionsweise in der Gesellschaft und die Art ihrer Reproduktion verstanden.
In der Sprache wird dieser Begriff zusammen mit Synonymen wie Musik oder Musikkunst verwendet. Musikkultur ist für den Einzelnen ein wesentlicher Bestandteil der allgemeinen ästhetischen Bildung. Es bildet den Geschmack eines Menschen, seine innere, individuelle Kultur. Das Erkennen dieser Kunstform wirkt sich transformativ auf die Persönlichkeit eines Menschen aus. Deshalb ist es so wichtig, Musik von Kindheit an zu beherrschen, zu verstehen und wahrzunehmen.
Theoretiker glauben, dass Musikkultur ein komplexes komplexes Ganzes ist, das die Fähigkeit beinhaltet, durch die Stile, Genres und Richtungen dieser Kunstform zu navigieren, Kenntnisse über Theorie und Ästhetik von Musik, Geschmack, emotionale Reaktion auf Melodien und die Fähigkeit, semantischen Inhalt aus Klang zu extrahieren. Auch in diesem Komplex können Performing- und Schreibfähigkeiten enthalten sein. Der berühmte Philosoph und Kunsttheoretiker M. S. Kagan glaubte, dass Musikkultur durch eine individuelle Dimension unterschieden werden kann, d. H. Das Niveau einer einzelnen Person, ihr Wissen, ihre Fähigkeiten auf dem Gebiet dieser Kunst sowie das Gruppenniveau, das an bestimmte Subkulturen gebunden ist und Alterssegmente der Gesellschaft. Im letzteren Fall spricht der Wissenschaftler über die musikalische Ausbildung und Entwicklung von Kindern.
Musikfunktionen
Ein solch komplexes und wichtiges Phänomen der Kunst wie die Musik ist sowohl für den Einzelnen als auch für die Gesellschaft insgesamt äußerst notwendig. Diese Kunst erfüllt eine Reihe von sozialen und psychologischen Funktionen:
1. Formativ. Musik ist an der Entwicklung der menschlichen Persönlichkeit beteiligt. Die Bildung der Musikkultur eines Individuums beeinflusst seine Entwicklung, seinen Geschmack und seine Sozialisation.
2. Kognitiv. Menschen vermitteln durch Töne Empfindungen, Bilder, Emotionen. Musik ist eine Art Spiegelbild der Welt.
3. Pädagogisch. Wie jede Kunst kann Musik bestimmte rein menschliche Qualitäten des Menschen formen. Es ist nicht umsonst, dass es einen Standpunkt gibt, dass die Fähigkeit, zuzuhören und Musik zu schaffen, eine Person von einem Tier unterscheidet.
4. Mobilisierung und Entwurf. Musik kann eine Person zum Handeln anregen. Es ist nicht umsonst, dass es Marschmelodien gibt, Arbeitslieder, die die Aktivitäten der Menschen verbessern und dekorieren.
5. Ästhetik. Die wichtigste Funktion der Kunst ist jedoch die Fähigkeit, einem Menschen Freude zu bereiten. Musik gibt Emotionen, erfüllt das Leben der Menschen mit spirituellem Inhalt und bringt pure Freude.
Die Struktur der Musikkultur
Musik ist als soziales Phänomen und Teil der Kunst eine komplexe Formation. Im weitesten Sinne gibt es in seiner Struktur:
1. Musikalische Werte, die in der Gesellschaft produziert und ausgestrahlt werden. Dies ist die Grundlage der Musikkultur, die die Kontinuität historischer Epochen gewährleistet. Werte ermöglichen es uns, das Wesen der Welt und der Gesellschaft zu verstehen, sie sind geistig und materiell und werden in Form von musikalischen Bildern verwirklicht.
2. Verschiedene Arten von Aktivitäten für die Produktion, Speicherung, Ausstrahlung, Reproduktion, Wahrnehmung musikalischer Werte und Werke.
3. Soziale Institutionen und Institutionen, die an verschiedenen Arten musikalischer Aktivitäten beteiligt sind.
4. Einzelne Personen, die an der Schaffung, Verbreitung und Aufführung von Musik beteiligt sind.
In einem engeren Verständnis des Komponisten D. Kabalevsky ist Musikkultur gleichbedeutend mit dem Begriff "Musikkompetenz". Dem Musiker zufolge manifestiert es sich in der Fähigkeit, musikalische Bilder wahrzunehmen, ihren Inhalt zu entschlüsseln und gute von schlechten Melodien zu unterscheiden.
In einer anderen Interpretation wird das untersuchte Phänomen als eine bestimmte allgemeine Eigenschaft einer Person verstanden, die sich in der musikalischen Ausbildung und der musikalischen Entwicklung ausdrückt. Ein Mensch muss eine bestimmte Gelehrsamkeit besitzen, eine bestimmte Reihe klassischer Werke kennen, die seinen Geschmack und seine ästhetischen Vorlieben ausmachen.
Musik der Antike
Die Geschichte der Musikkultur beginnt in der Antike. Leider gibt es von den ersten Zivilisationen an keine Beweise für ihre Musik. Obwohl es offensichtlich ist, dass die musikalische Begleitung von Ritualen und Ritualen von den ersten Stadien der Existenz der menschlichen Gesellschaft an existierte. Wissenschaftler behaupten, dass Musik seit mindestens 50.000 Jahren existiert. Dokumentarische Beweise für die Existenz dieser Kunst stammen aus der Zeit des alten Ägypten. Bereits zu dieser Zeit gab es ein umfangreiches System von Musikberufen und Instrumenten. Melodien und Rhythmen begleiteten viele Arten menschlicher Aktivitäten. Zu dieser Zeit erschien eine schriftliche Form der Musikaufnahme, die es uns ermöglicht, ihren Klang zu beurteilen. Aus früheren Epochen sind nur Bilder und Überreste von Musikinstrumenten erhalten geblieben. Im alten Ägypten gab es geistliche Musik, die den Kult begleitete und Menschen in Arbeit und Ruhe begleitete. Während dieser Zeit erscheint zuerst das Hören von Musik aus ästhetischen Gründen.
In der Kultur des antiken Griechenland erreicht die Musik in dieser historischen Periode ihre höchste Entwicklung. Verschiedene Genres erscheinen, Instrumente werden verbessert, obwohl in dieser Zeit die Vokalkunst vorherrscht, werden philosophische Abhandlungen erstellt, die das Wesen und den Zweck der Musik konzeptualisieren. In Griechenland erscheint ein Musiktheater zunächst als eine besondere Art synthetischer Kunst. Die Griechen haben die Macht des Einflusses der Musik und ihre pädagogische Funktion gut verstanden, daher waren alle freien Bürger des Landes mit dieser Kunst beschäftigt.
Musik des Mittelalters
Die Etablierung des Christentums in Europa hat die Merkmale der Musikkultur maßgeblich beeinflusst. Es erscheint eine riesige Schicht von Werken, die dem Institut für Religion dienen. Dieses Erbe nennt man geistliche Musik. Fast jede katholische Kathedrale hat Orgeln, in jedem Tempel gibt es einen Chor, der Musik zu einem Teil des täglichen Dienstes Gottes macht. Aber im Gegensatz zur geistlichen Musik bildet sich eine Volksmusikkultur, in der das Karnevalsprinzip steht, über das M. Bakhtin schrieb. Im Spätmittelalter wurde weltliche professionelle Musik gegründet, die von Troubadours kreiert und vertrieben wurde. Aristokratie und Ritter werden zu Kunden und Konsumenten von Musik, während weder Kirche noch Volkskunst zu ihnen passten. Es gibt also Musik, die das Hören erfreut und die Menschen unterhält.
Musik der Renaissance
Mit der Überwindung des kirchlichen Einflusses auf alle Aspekte des Lebens führen sie zum Beginn einer neuen Ära. Die Ideale dieser Zeit sind alte Beispiele, und deshalb wird die Ära die Renaissance genannt. Zu dieser Zeit beginnt sich die Geschichte der Musikkultur hauptsächlich in weltlicher Richtung zu entwickeln. Während der Renaissance erschienen neue Genres wie Madrigal, Chorpolyphonie, Chanson und Chor. In dieser Zeit bildeten sich nationale Musikkulturen. Die Forscher sprechen über die Entstehung italienischer, germanischer, französischer und sogar niederländischer Musik. Das Werkzeugsystem in dieser historischen Periode unterliegt ebenfalls Änderungen. War früher die Orgel die Hauptorgel, jetzt sind die Saiten vor ihr, es erscheinen verschiedene Arten von Bratschen. Die Gattung der Keyboards wurde auch durch neue Instrumente erheblich bereichert: Clavichords, Cembalo und etwas, das die Liebe von Komponisten und Künstlern zu gewinnen begann.
Barockmusik
In dieser Zeit nimmt Musik einen philosophischen Klang an, wird zu einer besonderen Form der Metaphysik, und Melodie gewinnt besondere Bedeutung. Diese Zeit großer Komponisten schuf in dieser Zeit A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni. Die Barockzeit war geprägt von der Entstehung von Kunst wie der Oper. Auch zu dieser Zeit entstanden Oratorien, Kantaten, Toccaten, Fugen, Sonaten und Suiten. Dies ist eine Zeit der Entdeckung, der Komplikation musikalischer Formen. Im gleichen Zeitraum gibt es jedoch eine zunehmende Aufteilung der Kunst in hoch und niedrig. Die Volksmusikkultur ist getrennt und darf in der nächsten Ära nicht mehr als klassische Musik bezeichnet werden.
Musik des Klassizismus
Üppiger und exzessiver Barock weicht einem strengen und einfachen Klassizismus. Während dieser Zeit wird die Kunst der Musikkultur schließlich in hohe und niedrige Genres unterteilt, Kanons werden für die Hauptgenres etabliert. Klassische Musik ist zur Kunst der Salons geworden, Aristokraten, sie macht nicht nur ästhetisch Spaß, sondern unterhält auch das Publikum. Diese Musik hat ihre eigene, neue Hauptstadt - Wien. Diese Zeit war geprägt von Genies wie Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Joseph Haydn. In der Ära des Klassizismus wird schließlich das Genresystem der klassischen Musik gebildet, Formen wie ein Konzert, eine Symphonie erscheinen und eine Sonate wird neu geformt.
Ende des 18. Jahrhunderts bildete sich in der klassischen Musik ein romantischer Stil. Es wird von Komponisten wie F. Schubert, N. Paganini vertreten, die spätere Romantik wurde durch die Namen von F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss bereichert. In der Musik werden Texte, Melodien und Rhythmen geschätzt. In dieser Zeit wurden nationale Komponistenschulen gegründet.
Das Ende des 19. Jahrhunderts war geprägt von antiklassischen Gefühlen in der Kunst. Impressionismus, Expressionismus, Neoklassizismus, Dodecafonia treten auf. Die Welt steht vor einer neuen Ära, und dies spiegelt sich in der Kunst wider.
Musik des 20. Jahrhunderts
Das neue Jahrhundert beginnt mit Proteststimmungen, auch die Musik erfährt revolutionäre Veränderungen. Nach dem Ersten Weltkrieg suchen Komponisten Inspiration in der Vergangenheit, wollen aber alten Formen einen neuen Klang verleihen. Die Zeit der Experimente beginnt, die Musik wird sehr vielfältig. Klassische Kunst ist mit so großen Komponisten wie Strawinsky, Schostakowitsch, Bernstein, Glas, Rachmaninow verbunden. Die Konzepte von Atonalität und Aleatorik erscheinen, was die Idee von Harmonie und Melodie völlig verändert. In dieser Zeit wachsen demokratische Prozesse in der Musikkultur. Es gibt Pop und zieht die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich, später gibt es eine solche musikalische Protestbewegung wie Rock. So entsteht eine moderne Musikkultur, die sich durch eine Vielzahl von Stilen und Richtungen auszeichnet, eine Mischung aus Genres.
Der aktuelle Stand der Musikkultur
Ende des 20. - Anfang des 21. Jahrhunderts befindet sich die Musik in einer Phase der Kommerzialisierung, sie wird zu einem weit verbreiteten Produkt und dies verringert ihre Qualität erheblich. Während dieser Zeit erweitern sich die Fähigkeiten von Instrumenten erheblich, elektronische Musik und digitale Instrumente erscheinen mit beispiellosen Ausdrucksmitteln. Akademische Musik wird von Eklektizismus und Polystylismus dominiert. Die moderne Musikkultur ist ein riesiger Patchwork-Quilt, in dem sie ihren Platz und ihre Avantgarde, ihren Rock, ihren Jazz, ihre neoklassischen Trends und ihre experimentelle Kunst finden.
Geschichte der russischen Volksmusik
Die Ursprünge der russischen Nationalmusik müssen in der Zeit des alten Russland gesucht werden. Man kann die Trends dieser Zeit nur anhand fragmentarischer Informationen aus schriftlichen Quellen beurteilen. In jenen Tagen war Ritual- und Alltagsmusik weit verbreitet. Seit der Antike gab es professionelle Musiker unter dem Zaren, aber die Bedeutung von Folklorewerken war sehr groß. Das russische Volk liebte und konnte singen, das Genre der Haushaltslieder war das beliebteste. Mit dem Aufkommen des Christentums wurde die russische Musikkultur mit spiritueller Kunst bereichert. Kirchenchorgesang erscheint als neues Vokalgenre. In Russland dominierte jedoch jahrhundertelang der traditionelle einstimmige Gesang. Erst im 17. Jahrhundert nahm die nationale Tradition der Polyphonie Gestalt an. Seit dieser Zeit ist die europäische Musik mit ihren Genres und Instrumenten nach Russland gekommen, und die Differenzierung in Volksmusik und akademische Musik beginnt.
Die Volksmusik in Russland gab ihre Positionen jedoch nie auf, sie wurde zu einer Inspirationsquelle für russische Komponisten und war bei gewöhnlichen Menschen und der Aristokratie sehr beliebt. Sie können sehen, dass sich viele klassische Komponisten dem volkstümlichen Musikgepäck zugewandt haben. So verwendeten M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tschaikowsky in ihren Werken weit verbreitete Folkloremotive. In der Sowjetzeit war Folkloremusik auf staatlicher Ebene sehr gefragt. Nach dem Zusammenbruch der UdSSR diente die Folkloremusik nicht mehr der Ideologie, sondern verschwand nicht, sondern nahm ein eigenes Segment in der allgemeinen Musikkultur des Landes ein.
Russische klassische Musik
Aufgrund der Tatsache, dass die Orthodoxie die Entwicklung weltlicher Musik seit langem verboten hat, entwickelt sich die akademische Kunst in Russland ziemlich spät. Ausgehend von Iwan dem Schrecklichen lebten europäische Musiker am königlichen Hof, aber es gab noch keine Komponisten. Erst im 18. Jahrhundert nahm die russische Komponistenschule Gestalt an. Die Musiker waren jedoch lange Zeit von europäischer Kunst beeinflusst. Eine neue Ära der Musikkultur in Russland beginnt mit Mikhail Glinka, der als erster russischer Komponist gilt. Er war es, der den Grundstein für die russische Musik legte, die Themen und Ausdrucksmittel aus der Volkskunst zog. Dies ist zu einer nationalen Besonderheit der russischen Musik geworden. Wie in allen Lebensbereichen entwickelte die Musik die Richtung von Westlern und Slawophilen. Ersteres umfasste N. Rubinstein, A. Glazunov, letzteres - Komponisten von The Mighty Handful. Am Ende siegte jedoch die nationale Idee und alle russischen Komponisten in unterschiedlichem Maße, haben aber folkloristische Motive.
Der Höhepunkt der vorrevolutionären Periode der russischen Musik wird als das Werk von P. I. Tschaikowsky angesehen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts spiegelten sich revolutionäre Veränderungen in der Musikkultur wider. Komponisten experimentieren mit Formen und Ausdrucksmitteln.
Die dritte Welle der russischen akademischen Musik ist mit den Namen von I. Strawinsky, D. Schostakowitsch, S. Prokofjew, A. Scriabin verbunden. Die Sowjetzeit war eher eine Zeit für Interpreten, nicht für Komponisten. Obwohl zu dieser Zeit herausragende Schöpfer auftraten: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion wurde die akademische Musik in Russland fast vollständig aufgeführt.
Popmusik
Musikkultur besteht jedoch nicht nur aus Volksmusik und akademischer Musik. Im 20. Jahrhundert nimmt populäre Musik einen vollen Platz in der Kunst ein, insbesondere Jazz, Rock and Roll und Popmusik. Traditionell werden diese Richtungen im Vergleich zur klassischen Musik als "niedrig" angesehen. Popmusik erscheint mit der Bildung der Populärkultur und ist so konzipiert, dass sie den ästhetischen Bedürfnissen der Massen dient. Pop Art ist heute eng mit dem Konzept des Showbusiness verflochten, das ist nicht ganz Kunst, sondern Industrie. Diese Art der Musikproduktion erfüllt nicht die der Kunst innewohnende pädagogische und prägende Funktion, und genau dies gibt Theoretikern die Möglichkeit, Popmusik bei der Betrachtung der Geschichte der Musikkultur außer Acht zu lassen.
